EL INSTITUTO DE ARTE CLARK ANUNCIA EXPOSICIONES DE VERANO 2022

(Williamstown, Massachusetts)— El Instituto de Arte Clark anuncia su calendario de exposiciones para el verano de 2022, que presenta un sólido programa de exposiciones que incluye un estudio importante de la escultura de Auguste Rodin, que presenta importantes obras incluidas en las colecciones de museos de los Estados Unidos en una de las miradas más completas. en la recepción temprana del artista en Estados Unidos y los líderes artísticos influyentes que defendieron su trabajo.

«Cada año, tratamos de presentar una variedad de exhibiciones que ofrecen nuevos estudios, generan nuevas ideas y presentan nuevos conceptos o artistas a nuestro público. Pero con cada exhibición, también esperamos inspirar un momento de deleite: el placer de ver algo hermoso, aprender algo nuevo o ver algo diferente. Creemos que este año será un verano lleno de delicias en el Clark», dijo Olivier Meslay, director de Hardymon del Clark Art Institute. «Miraremos a uno de los grandes escultores del mundo, Auguste Rodin, pero veremos su trabajo a través de una lente muy específica que cuenta una historia fascinante de su temprana recepción en los Estados Unidos. Estamos particularmente ansiosos por presentar el distintivo grabados del modernista mexicano José Guadalupe Posada y creemos que ofrecerán nuevas perspectivas sobre un período importante en la historia de México. Y estamos verdaderamente complacidos de presentar una muestra intrigante que une las obras de dos artistas, Tauba Auerbach y Yuji Agematsu, bajo el dosel de un solo concepto, el meandro».

Las exhibiciones de verano de Clark abren en un horario escalonado, a partir de junio. El programa incluye:

Rodin en los Estados Unidos: confrontando lo moderno
18 de junio–18 de septiembre de 2022

Rodin en los Estados Unidos: confrontando lo moderno considera el legado del artista en Estados Unidos desde 1893 hasta el presente. Si bien se ha considerado mucho la reputación de Auguste Rodin (1840-1917) en Francia y en toda Europa, se ha prestado menos atención a su recepción en Estados Unidos. Esta exposición cuenta la historia de los coleccionistas, historiadores del arte, críticos, galeristas y filántropos, en particular, muchos de los cuales eran mujeres, que se esforzaron por dar a conocer a Rodin en los Estados Unidos. Las casi 1.300 obras de Rodin que se conservan hoy en museos y colecciones privadas estadounidenses dan testimonio de su éxito.

La exposición explora las percepciones cambiantes del escultor, comenzando con la primera adquisición de una obra de Rodin por parte de una institución estadounidense, el Museo Metropolitano de Arte en 1893, y el controvertido debut de Rodin en la Exposición Colombina Mundial de Chicago en el mismo año. La exposición examina el frenesí coleccionista de principios del siglo XX, promovido por la filántropa Katherine Seney Simpson, la artista Loïe Fuller y la coleccionista Alma de Bretteville Spreckels. También se explora el papel de los museos en la promoción y preservación del trabajo de Rodin en las décadas de 1920 y 1930, incluido el establecimiento del Museo Rodin en Filadelfia. El entusiasmo de las primeras décadas del siglo XX se vio contrarrestado en las décadas de 1940 y 1950, cuando, en palabras del historiador de arte Leo Steinberg, la reputación de Rodin estaba «en pleno declive». La ferviente celebración de Rodin en la década de 1980, con exhibiciones de gran éxito y nuevos estudios, marcó otro cambio en la apreciación de las esculturas y dibujos de Rodin. La exposición concluye con obras excepcionales adquiridas por coleccionistas e instituciones desde finales del siglo XX hasta la actualidad.

Rodin en los Estados Unidos: frente a lo moderno incluye aproximadamente cincuenta esculturas y veinticinco dibujos, que presentan tanto las obras maestras familiares del artista como obras menos conocidas de la más alta calidad. Al ver estos objetos a través de la lente de varios coleccionistas, historiadores del arte y museos, así como cada momento histórico sucesivo, los visitantes podrán comprender mejor cómo se construyen las colecciones, cómo se construyen las historias y cómo un artista se convierte en un nombre familiar. . La exposición enfatiza la experiencia de Rodin en materiales y medios, con ejemplos destacados de yeso, bronce, mármol, grafito y acuarela.

La exposición está organizada por el Clark Art Institute y la curada invitada es la investigadora independiente Antoinette Le Normand-Romain.

José Guadalupe Posada: símbolos, esqueletos y sátira
16 de julio–10 de octubre de 2022

José Guadalupe Posada (1852-1913) fue reconocido ya en 1888 como «el caricaturista más destacado, el artista gráfico más destacado» de su México natal. Incansable productor de caricaturas e imágenes satíricas para la prensa barata, Posada construyó su carrera en una era de represión política y vivió para ver los profundos cambios sociales que trajo consigo la Revolución Mexicana de 1910. proporcionó una dieta diaria de información y entretenimiento a un público para el cual las imágenes necesitaban contar la historia ya que la alfabetización no era muy frecuente en ese momento. Las muy variadas imágenes de noticias de Posada—crímenes espeluznantes, escándalos actuales y otras historias sensacionalistas—constituyen solo una parte de su extenso producción. Reutilizadas y reimpresas, a veces hasta que se desgastaron, sus queridas ilustraciones también abarcan temas religiosos, baladas y libros y juegos para niños. Posada es más conocido por sus láminas de calaveras (esqueletos), que figuraban en los rituales populares en torno al Día de Muertos, pero también se adaptaron a las sátiras de figuras políticas y otros individuos. Ya sea divertida o mordaz, vernácula o surrealista, la imaginería de Posada continúa deleitando. Esta exposición, extraída de la extensa colección de obras de Posada en el Museo de Arte Americano Amon Carter en Fort Worth, Texas, muestra la vibrante cultura visual de México en los años previos a su Revolución de 1910.

Esta exposición está organizada por el Clark Art Institute y curada por Anne Leonard, curadora de grabados, dibujos y fotografías de Manton.

Tauba Auerbach y Yuji Agematsu: Meandro
16 de julio–16 de octubre de 2022

Esta exposición combina el nuevo trabajo de Tauba Auerbach y Yuji Agematsu, en galerías paralelas en el Centro Lunder en Stone Hill, bajo la rúbrica del meandro, como sustantivo y verbo, motivo y método. Para Auerbach (n. 1981, San Francisco; vive y trabaja en Nueva York), esta línea retorcida y autoevasiva traza tradiciones globales de ornamento tanto como formas de onda físicas y curvas que llenan el espacio en geometría. La experimentación incansable del artista en una variedad de medios produce un trabajo que es tan riguroso como visualmente deslumbrante: el dibujo caligráfico, las imágenes infrarrojas y la pintura de gran formato son parte del universo complejo y en expansión de Auerbach.

Para Agematsu (n. 1956, Kanagawa, Japón, vive y trabaja en Nueva York) y su práctica de caminar, coleccionar y archivar, meandro implica deriva, tanto sus propios caminos a través de la ciudad de Nueva York como los de otras personas y cosas. Las esculturas de mano de Agematsu son como pequeños mundos. Los restos que encuentra (un envoltorio de aluminio, fuegos artificiales gastados, una espina de pescado) le interesan tanto estética como antropológicamente. Cada uno marca el tiempo del ritual cotidiano del artista, el espacio de la ciudad y su movimiento de personas y cosas.

De maneras claramente diferentes, ambos artistas estudian las reglas que gobiernan los flujos de materia y energía en el universo, entre el caos y el orden, la intuición y el análisis, lo diminuto y lo masivo.

Esta exposición está organizada por el Clark Art Institute y curada por Robert Wiesenberger, curador asociado de proyectos contemporáneos.

También a la vista este verano está Tomm El-Saieh: Imaginary City, presentado en espacios públicos alrededor del Clark. Las pinturas abstractas de gran formato de Tomm El-Saieh (n. 1984, Port-au-Prince; vive y trabaja en Miami) están repletas de marcas densas y dinámicas que evocan ornamentos, lenguaje y arquitectura. Mediante la superposición y el borrado de sus líneas y el uso de colores vibrantes para empujar o tirar ópticamente de sus imágenes, El-Saieh crea composiciones rítmicas y completas de las que parecen emerger formas más grandes, poniendo a prueba tanto los límites de la percepción como las expectativas sobre la abstracción.

El título de la exposición proviene de una de las obras de la muestra (Vilaj Imaginé) y se refiere a un tema de paisaje urbano común en el arte haitiano. Las pinturas de El-Saieh, que se asemejan a planes urbanos informales, también se desarrollan intuitivamente, sin el uso de estudios preparatorios o esquemas. Para el artista, que no ha podido regresar a su lugar de nacimiento en los últimos años debido a la inestabilidad que reina allí, Port-au-Prince ahora también existe principalmente como una figura en su memoria e imaginación, un lugar de alegría y trauma, potencial e incertidumbre. .

Esta exposición de un año de duración, abierta hasta el 31 de diciembre de 2022, es gratuita y abierta al público.

Esta exposición está organizada por el Clark Art Institute y curada por Robert Wiesenberger, curador asociado de proyectos contemporáneos.

 

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